天梯 120x80cm 芙蓉畫布/油畫 2025年

《天梯》創作理念

《天梯》是一幅關於垂直性、光的穿透，以及空間中微粒漂浮的作品。它不指涉宗教，也不依附於特定文化符號，而是試圖在繪畫的語言中生成一種「可感知的通道」。這幅作品的核心，是一種由深處向光的移動，一種由沉靜向明亮的過程。

一、垂直性與光的結構

畫面中央的黃光，垂直貫穿上下，既是視覺焦點，也是結構支柱。它並非具象的階梯，而是色彩張力中形成的「可通行」感知。這道光不是目的地，而是過程，是一種由深藍向白、由靜謐向明亮的轉化。它召喚觀者的視線，也召喚內在的節奏。

背景由邊緣向中心漸層轉淡，形成「由外向內」的吸引力。這種構圖方式讓畫布不再只是承載物，而是生成空間的起點。色彩的層次在厚塗與薄染之間交錯，既保留透明度，又製造深度，使光的垂直性更為鮮明。這種垂直結構，不是物理的階梯，而是一種心理的牽引力。

二、微粒與秩序的生成

畫面中散布的圓點，既是物理層面的顆粒，也是心理層面的節點。它們不規則地分布，如宇宙中的星體，也如水中的氣泡，在靜止與漂浮之間，形成「不確定的秩序」。這些微粒不是裝飾，而是事件的痕跡，是時間與空間交會的片段。它們使畫面不僅僅是光的垂直性，更是呼吸的節奏。

這些圓點的存在，讓畫面在光的垂直張力之外，增添了橫向的呼吸與律動。它們既是視覺的節拍，也是心理的停留點，讓觀者在凝視時能感受到一種漂浮的自由。

三、材質與技法的選擇

《天梯》採用我自製塗層的芙蓉畫布，配方經多年調整，能承載多層油彩而不失透明度。這種材質讓我能在畫面中同時保留厚塗與薄染的層次，使光的表現更具深度。顏料以個人配方的繪畫用油加以調和，也讓筆觸更具延展性。

黃與藍的對比，不只是視覺上的衝突，更是心理上的張力——黃光象徵能量與穿透，藍則是包覆與沉靜。這種對比構成了畫面的情緒骨架。筆觸的速度與方向，也在畫面中留下痕跡：快速的線條形成能量的爆發，緩慢的疊染則營造出空間的深度。乾濕交替的層次，使光的表現既有透明的流動，也有厚重的凝固。

四、理論性的思考

在哲學層面上，我參考了 Merleau-Ponty 對「可見性」與「身體感知」的論述。他認為繪畫不是再現物，而是生成感知的方式。在《天梯》中，我不描繪具象的階梯，而是讓觀者在觀看過程中「感覺」到垂直的牽引力。這種牽引不是來自物理結構，而是來自色彩的流動與空間的呼吸。

同時，我也思考了 Deleuze 所提出的「事件粒子」概念。畫面中的圓點，正是這種事件的痕跡——它們不是物，而是時間與空間交會的瞬間。這些瞬間在畫布上凝固，卻仍保留漂浮的可能性。

此外，現象學中的「身體—世界」關係也啟發了我。觀看《天梯》時，觀者的身體並非被動的接受者，而是主動參與者。視線的移動、呼吸的節奏、心理的停留，都在畫面中生成新的空間。繪畫因此不只是物件，而是一種經驗的場域。

五、文化脈絡的對話

「上升」這個動作在文化中有多重意涵。西方繪畫史中，垂直構圖常與神聖空間連結；東方美學中，垂直性則常與山水、氣韻、或「由地至天」的流動相關。《天梯》不屬於任何一種文化脈絡，但在視覺語言上，卻與這些傳統形成某種對話。

它不刻意引用，但也不排斥共鳴。這種「不指涉但可感」的策略，是我近年創作中常用的方式——讓畫面保持開放性，讓觀者自行生成意義。作品因此既能與不同文化的觀看者產生共鳴，又能保持自身的獨立性。

六、情感厚度與呼吸

《天梯》是我對「安全感」與「未知」的雙重回應。它不是描寫某個具體的地景，而是承載了我在生活與創作中感受到的節奏與呼吸。畫面中的光，不是某個地方的光，而是我在日常中感受到的「可依靠的亮度」。

那些圓點，則像是我在生命中遇見的片段——人、事、念頭、情緒——它們不一定有邏輯，但卻組成了我對世界的感知網絡。這種感知不是線性的，而是多點交錯的。作品因此成為一種情感的編織，一種呼吸的延伸。

七、繪畫作為生成

我相信繪畫不只是表達，更是生成。《天梯》不是我「想像」出來的畫面，而是我在繪畫過程中「遇見」的結構。它的完成不是終點，而是暫時的停留。我不追求完美的構圖，而是讓畫面在不斷調整中找到自己的平衡。

這種創作方式，讓我能在每一筆中重新思考「何為畫面」、「何為觀看」、「何為存在」。繪畫因此成為一種持續的生成，一種不斷展開的過程。

八、結語

《天梯》是一種「可停留的空間」，讓觀者在其中找到自己的節奏與呼吸。它不提供答案，也不指引方向，但它開啟了一個垂直的可能性——一種由深處向光的移動，一種由沉靜向明亮的過程。

這個過程，不屬於宗教，也不屬於哲學，而是屬於每一個觀看者的身體與心。繪畫因此成為一種共享的經驗，一種在光與空間中生成的呼吸。